Éxitos Históricos Insuperables

Alguien dijo una vez que no había nada más sencillo que versionar a Dylan. Parece que siempre hay un músico que encuentra una forma mejor para sus canciones de la que él mismo les otorga.

Desde entonces, casi siempre la ha interpretado de acuerdo con la versión de Hendrix e incluso ha mencionado que cuando la canta, siempre siente que de alguna manera está rindiéndole homenaje a él.

Cuando es el mismo autor quien reconoce que su obra ha sido mejorada, no hay mucho más que decir. I Will Always Love You. Original: Dolly Parton.

Versión: Whitney Houston. Este ejemplo refleja con pulcritud de qué va este artículo exactamente. Dolly Parton escribió I Will Always Love You y la llevó al número uno de las listas de música country. Whitney Houston la pasó por chapa y pintura y la convirtió en una canción aún mejor de lo que era.

Así de sencillo. Original: Otis Redding. Versión: Aretha Franklin. La primera habla de un hombre desesperado por una mujer, de un tipo que haría cualquier cosa por ella con tal de obtener su respeto, concepto que siempre ha sido interpretado de forma ambigua.

La versión de Aretha Franklin, sin embargo, habla de una mujer que exige respeto a su hombre a toda costa, razón por la que se ha convertido en uno de los himnos del movimiento feminista. El famoso deletreo del título y los coros que se escuchan a lo largo de toda la versión no se encuentran en la canción original.

Versión: Elvis Presley. La diferencia entre la versión de Thornton, de , y la Elvis, de , es la propia diferencia entre el blues y el rock and roll, y a la vez testimonio de la vertiginosa velocidad con la que evolucionaba la música en Estados Unidos en la década de los Cuando Elvis la tocó en directo el 5 de junio de para toda la nación en el show de Milton Berle , las cartas de protesta por lo impúdico de sus movimientos y lo subversivo de su letra apenas tardaron unas horas en llegar a la NBC.

Y no es para menos. Era un tipo con tupé moviendo la pelvis y hablando de un perro que nunca había cazado un conejo. Original: Badfinger. Versión: Harry Nilsson.

Nilsson únicamente remató lo que Tom Evans y Pete Ham casi habían terminado, pero es suficiente para considerar que la versión es mejor que la original. Si las comparan, verán que el estribillo de la original se queda a medio camino entre lo épico y lo insustancial, mientras que Nilsson lo lleva hasta ese punto de grandiosidad que la balada se merece.

Original: The Troggs. Versión: Wet Wet Wet. Algunos me crucificarán por esto, pero es una verdad irrebatible. Ciertamente, la primera tiene fuerza como balada, pero la segunda es una auténtica apisonadora.

The Troggs tuvieron la oportunidad y no supieron qué hacer con ella. Se siente. Versión: Caetano Veloso. Después de un tiempo experimentando con la psicodelia en su creación musical, en The Beatles regresaban por fin a la escala pentatónica con Lady Madonna para sorpresa de los críticos, que no esperaban que la siguiente vuelta de tuerca fuese sencillamente la recuperación del boogie-woogie.

McCartney reconoció muchos años después que simplemente estaba intentando escribir algo al estilo de Fats Domino , y de ahí la brecha con el estilo del material inmediatamente anterior de su banda. Caetano Veloso fue capaz de despojar a la canción de toda su ornamentación hasta reducirla a su estadio más elemental para a continuación reescribirla en parámetros de pop y bossa nova y convertirla en otra completamente distinta, pero en esencia igual.

Todo un ejemplo de clase y buen gusto. Where Did You Sleep Last Night. Original: Leadbelly. Versión: Nirvana. Where Did You Sleep Last Night es una canción sin dueño, por lo que no hay una original con la que ninguna de sus versiones pueda ser comparada.

No obstante, se suele mencionar la de Leadbelly como referencia, al ser el primero en popularizarla. Se trata de una composición folk de mediados del siglo XIX compuesta probablemente en Alabama, Mississippi o Luisiana. En el inconfundible sur de los Estados Unidos.

Se cree que Leadbelly, que conocía la canción porque esta formaba parte del folklore y había sido transmitida de generación en generación, debió de leer una versión impresa de la misma datada en y de escuchar una rudimentaria grabación de con la que se hizo una idea de cómo interpretarla.

Nothing Compares 2 U. Original: The Family. Se ve que a Prince le parecía que publicar un disco por año desde no era un buen ritmo de edición, y decidió formar una banda paralela para dar salida a su exceso de producción.

Hey Joe! Original: The Leaves. El asunto de la autoría de Hey Joe! está tan enmarañado que finalmente va a tener que intervenir la CIA.

en cuanto a la progresión de acordes. A su vez, es probable que Miller —o el propio Roberts— se inspirase en el tema Hey Joe! Hay quien defiende, sin embargo, que la canción es en realidad una composición de Dino Valenti , y otros como Tim Rose sostienen que, como ocurre con Where Did You Sleep Last Night y tantas otras, se trata simplemente de un tema tradicional del folklore estadounidense.

Sea como fuere, fue el grupo The Leaves quien popularizó la canción en , publicando una versión a medias entre el pop y el garage. Ese mismo año, Hendrix recogió el testigo y les pegó un buen repaso a todos.

Si existe un Hey Joe! verdaderamente sobresaliente, es el suyo. Original: Fred Neil. Harry Nilsson fue galardonado en dos ocasiones con el premio Grammy.

Y las dos veces se trataba de una versión. De Without You ya hemos hablado, y la canción principal de la banda sonora de Cowboy de medianoche no necesita presentación.

Como sucedía con el tema de Badfinger, Nilsson terminó lo que Fred Neil había empezado. Y lo hizo realmente bien. Original: Erma Franklin. Versión: Big Brother and the Holding Company. Guitarras eléctricas en lugar de trompetas y un piano, descontrol en lugar de contención, lujuria en lugar de soul … Hagan el siguiente ejercicio: escuchen el estribillo de la original a partir de y compárenlo con el de la versión a partir de Sintiéndolo mucho por Erma, la versión supera claramente a la original.

Original: Todd Duncan. Versión: The Righteous Brothers. Es escuchar Unchained Melody , pensar en Ghost , y comenzar a caerme unos lagrimones por la mejilla que ríase usted de las cataratas del Iguazú. No puedo evitarlo.

En cuanto comienzan a sonar las primeras notas me acuerdo de Whoopi Goldberg y lloro muchísimo. Respecto a la comparación de la versión de los Righteous Brothers con la original, no hay color —con perdón de Whoopi—. Alex North compuso el tema para la banda sonora de la película Unchained , y sinceramente, habría sido bastante difícil que Todd Duncan hiciese un trabajo peor.

Le dieron una preciosa melodía y la interpretó con tal desgana y desatino que le entran a uno ganas de sacarlo de la ducha en la que parece estar cantando. Por fortuna, Bill Medley y Bobby Hatfield —¡sorpresa, no eran hermanos! Como ocurre siempre que se intenta categorizar a partir de algo tan subjetivo como el gusto personal, la neutralidad es un objetivo inalcanzable.

Sin embargo, bajo la premisa de recopilar veinte canciones que, además de constituir verdaderas versiones y no meras reproducciones idénticas, hayan transformado las originales de tal manera que las hayan superado y el resultado haya sido tan meritorio que merezcan estar entre las mejores, la confección de esta lista no ha sido tan ajena a la objetividad como podría haberlo sido de no haber limitado en modo alguno las preferencias musicales de quienes han contribuido seleccionando posibles candidatas.

Si les sirve de algo, les aseguro que hemos intentado ser lo más justos posibles. Sé de sobra que eso no será suficiente porque tienden ustedes a ser desesperadamente beligerantes en lo que a listas se refiere, así que permítanme intentar compensarles descubriéndoles —si no lo conocen ya— al maestro de las versiones.

El señor Richard Cheese. Escuchen sus adaptaciones de Beat It de Michael Jackson , de Like a Virgin de Madonna , de Creep de Radiohead , de Sunday Bloody Sunday de U2 o de Enter Sandman de Metallica y reconózcanle al César lo que es del César.

Y si no les bastase con eso y su empeño en hallar la versión perfecta no se ha desvanecido aún, les recomiendo que la busquen aquí. Es muy probable que la encuentren. Quizá con otro nombre y otra letra, pero háganme caso: es la misma canción.

Lista en Spotify: Las 20 mejores versiones de la historia. Pingback: Las 20 mejores versiones de la historia. Trent Reznor no era un adolescente al que le hacía la comida la madre. Era un hombre hundido en las drogas. La canción original no está vacía, no es un sinsentido.

La versión de Cash es muy buena, pero no se puede desmerecer para nada a la original, está completísima de sentimiento. El que dijo que la de Hurt es un lloriqueo emo no es este, es el que escribió lo de «20 canciones para joderte el día» o algo así, donde también decía que Audioslave tocan rap.

Totalmente de acuerdo con lo que dice Bécil. No desmerezco la versión de Cash, aunque también habría que decir que tuvo un mayor despliegue publicitario que la original.

La verdad es que la versión no está mal. Pero los American recordings contienen versiones más deslumbrantes en mi opinión. Fántastico el artículo. Nada qué decir sobre la lista en sí, sólo recomendar un par de mis versiones favoritas:. Yo también soy un gran fan de Dave Matthews Band y su versión de «All Along the Watchtower», pero en esta ocasión creo que hay una razón de peso para que aparezca Jimi Hendrix y no DMB.

Más allá de que una versión sea mejor que otra, quien verdaderamente transformó la versión de Bob Dylan y la llevó a un paso más allá con todos esos matices de los que habla Manuel en el artículo fue Jimi Hendrix.

DMB aprovechó estos matices introducidos por Jimi Hendrix creando una gran versión… pero no reinventando la canción.

Ahora saldrán 20 mataos diciend «podrías haber puesto esta o aquella». Sólo decir que la versión de Otis Redding del Satisfaction es la mejor que se ha hecho de ese tema según los mismos Rolling.

Si, creo que tienes razón. Quizás sea más admirable la de Hendrix; pero aquí es donde entran las subjetividades. Hendrix no me emociona, su mensaje es sensorial el mensaje que me llega a mi , sin embargo con DBM si siento una empatía que va más allá del disfrute de la canción. No obstante reconozco, que al ser un asiduo seguidor de DBM y no de Hendrix, mi juicio puede estar excesivamente sesgado.

Poner los babosos Wet Wet Wet como la mejor versión de «Love is all around» es no conocer la historia. REM en el año pese al exito del «Out of Time» decidieron no hacer gira, pero si que hicieron pequeños conciertos y un Unpluged en la MTV. Es estos conciertos y en el Unpluged hicieron una version de la canción de los Troggs:.

Incluso los de Athens pusieron una estrofa que no estaba en la original que los Wet Wet Wet incorporaron en su versión, como si fuera la original. Este comentario no es de reproche ni crítica. Es para aportar mi opinión con mucha menos elocuencia y tratar de enriquecer esta lista.

Hombre, yo creo que Hallelujah de Buckley es MUY distinta de la de Cohen. Consigue hacerla suya y diría que mejora un original ya de por sí perfecto.

Buckley tenía una forma muy personal de cantar y tocar la guitarra, así que todas sus versiones a mi me parece como si las hubiera compuesto él.

Strange fruit or just like a woman son también versiones impresionantes. Creo que se habría merecido estar en esta lista. Más que wet, wet, wet, seguro.

Divertido ejercicio en cualquier caso. Absolutamente de acuerdo. Lo de Jeff Buckley se va de cualquier lugar al que hubiera soñado llegar Leonard Cohen. Da igual el formato. Es un mundo distinto… Aunque esté demasiado escuchada es algo que está en otra liga. Independientemente de que esté o no de acuerdo con cada versión, me ha gustado mucho el artículo y me ha descubierto unas cuantas cosas que no sabía.

Buen trabajo! Gran lista, enormes artistas, muy bien confeccionada. Evidentemente, es imposible que no quede alguna versión favorita de cada uno fuera de la lista.

En mi caso es «Whiskey In the Jar», la canción popular irlandesa que Thin Lizzy dio a conocer y que Metallica sublimó en aquella colección de joyas que dieron a llamar «Garage Inc. Al menos «Turn the Page» está incluída, así que me doy con un canto en los dientes.

Me ha encantado este artículo, porque muchas de las citadas no sabía que eran versiones como la de Righteous Brothers. En mi opinión las dos mejores versiones frente a su original de esta lista son la de Johnny Cash y la de los Righteous Brothers.

La verdad es que, por otra parte, de la de Metallica no me quedo con ni la original ni la versión: ambas me parecen un truñaco. Es como si habláramos del mejor cover sobre la BSO de Los Serrano. Sobre estos temas siempre me gusta citar la versión que hizo Queen sobre su propia canción We Will Rock You y que abría los conciertos de la gira Live Killers allá en los No sé si es por la canción o por el espectáculo de Freddy Mercury en plan rey del mambo.

Como siempre, estos artículos son fuente inagotable de hallazgos. Muchas canciones de las aquí recogidas han conseguido que prácticamente olvidáramos que había un original por ahí perdido -habitualmente con mucho menos salero, para qué vamos a negarlo, Bob Seger no tiene nada que hacer frente a Metallica, por ejemplo-.

Me gusta mucho el tema de las versiones, aunque creo que el criterio no ha sido uniforme. Tainted Love con la interesante y malsana versión de Marilyn Manson no es de Softcell, primero la cantó Gloria Jones. Tienes toda la razón: a mí también me gusta más la versión de Buckley…pero versiona la versión de Cale.

Hey Joe tiene cientos de versiones. Me gustaría destacar la versión que hace Willy DeVille, en la que le da un giro alejado del guitarreo que llevan las dos versiones que se citan en el post.

Por cierto, ¿alguien sería capaz de determinar cual es la canción más versionada de la historia? Porque he encontrado publicaciones que hablan del Yesterday de los Beatles, Garota de Ipanema de Jobem y Moraes, Over The Rainbow cantada por Judy Garland, Happy Togehther de los Turtles, Satisfaction de los Rolling Stones….

o sea para todos los gustos. A mi hay un grupo del que me gustan particularmente sus covers: GNR. Completamente de acuerdo, Knockin on heavens door y Simpathy for the devil tienen una gan potencia, son atronadoras, la bateria es tremenda y ni hablar de la guitarra de Slash. Lo son todas las que están, muy especialmente el sublime «With a little help from my friends» de Joe Cocker.

Sin embargo echo en falta alguna, algo por otra parte normal si hay que limitarse a 20 y que además ¡qué coño, que todos tenemos nuestros particulares gustos! Pero si me lo permites, añado: Crossroads de Robert Johnson y la versión de Cream.

Cocaine de JJ Cale y la versión de Clapton. Y todo ello sin desmerecer las versiones originales, que también son grandes, y sabiendo que yo también me estoy dejando algunas en el tintero. En cuanto al jazz, mejor lo dejamos para otro día porque entonces seguro que no terminamos hoy.

De Creedence también me parece buenísima la que hacen del Hear It Through The Grapevine, canción que primero hiciera famosa Marvin Gaye. De I Put A Spell On You también hay una versión fantástica de Arthur Brown. Añado otras que me gustan mucho: Summertime Blues, original de Eddie Cochran y versionada por Blue Cheer y por The Who.

Ah, y me olvidaba de Season Of The Witch, original de Donovan y versionada de forma tremenda por Al Kooper y Steve Stills en sus Super Sessions con Mike Bloomfield y por Vanilla Fudge. Pensaba poner el tópico comentario con versiones que me gustan a mí, pero me contento con expresar mi disgusto por no incluir el Hallelujah de Buckley.

Y que encima se le nombre y se le descarte me parece hasta ofensivo. Siento si mi comentario suena muy fanboy, pero no soy el primero en decirlo y espero que no sea el último. Muy buen artículo, y coincido que algunas veces la versión supera a la original, como es el primer caso que está puesto con A little help, a mi gusta mucho más la versión de Joe Cocker que la original.

También hay veces que la versión le da un toque distinto que queda muy buen. A mi por ejemplo una versión que me encanta es la que hizo Fiona Apple con Across the universe de los Beatles. Pues para mí ha faltado otra de las grandes versiones que superan muy mucho al original, la de «Kiss» de Art of Noise y Tom Jones con respecto a la de Prince.

Enhorabuena por haberte vengado vía artículo de esa persona que te cae tan mal y a la que le encantan los Devo. Desde luego, todavía estoy anonadado…. quizá debería escucharla un par de veces más antes de decir eso… adefesio… no había más palabras, no… adefesio….

Acotación al margen: la MILF que sale en la versión de Metallica de Turn the Page es verdaderamente una MILF: se trata de Ginger Lynn, famosa actriz porno de los años No está ahí de casualidad y seguramente «resignifica» el vídeo.

Una que para mi debería de estar en la lista es la versión de We Can Work It Out que hicieron Deep Purple, con esa genial introducción de 3 minutazos en la que Jon Lord destaca muy mucho. No me puedo creer que en este articulo falte un pilar como John Frusciante con su version de Song to the Siren de Tim Buckley.

Me sorprende que nadie haya mencionado lo muchisisimo que mejoró King Africa el himno «Paquito el chocolatero»… No pongo enlaces porque los dioses de la música igual se enfadan… :. Plas, plas, plas…, me ha encantado el artículo y lo único que se me ocurre aportar es un poco de humor patrio:.

Alguien me puede explicar la razón de tener tanta sapiencia acumuluda y un sentido tan exquisito de la música? Porqué lo de esta lista es de chirigota, se puede estar más o menos de acuerdo, pero vamos, esto es un manual musical, de música norteamericana, cierto es, pero no veas.

Siempre habrá controversia con esto, porque depende de los diferentes gustos de cada uno asociados a lo que cada canción evoca en cada uno, a partir de ahí, casi todo es válido.

A mí me gustan estas dos versiones que creo que mejoran a las originales y les dan otro aire muy diferente:. Y esto puede hacerse eterno, porque cada persona tendría varías que poner aquí, y eso es lo bueno, poder conocer cosas nuevas.

No voy a discutir sobre Jimmy Hendrix dios me libre , pero a mí me resulta especialmente simpática la versión de Hey Joe! Añadiría a la lista, como curiosidad, una canción que siempre me ha fascinado en su original y su versión, interpretadas por el propio autor.

Se trata de Laya, de Eric Clapton, en sus versiones acústica y de guitarra eléctrica. Para mí la mejor versión de Unchained Melody es la de The Sweet Inspirations, con las hermanas Warwick y Cassy Houston, madre de Whitney.

OLE TUS HUEVOS por poner a Wet Wet Wet donde se merecen. Serán todo lo moñas que queráis, pero efectivamente esa versión es una puta apisonadora la original y la de REM duermen a las vacas. Arreglos impolutos y un Marti Pellow con un dominio vocal que ya quisieran muchos menos «moñas».

Para la próxima, pensad en un artículo sobre las versiones más «raras». Y si lo hacéis, el número 1 es Weird Al Yankovic :D. Pingback: La lectura digital nunca tan mimada « Ricardo Galli, de software libre. Primero felicitarte. Hablar de versiones es posicionarse sin miramientos en primera línea de una guerra en la que aunque no te maten, la sangre va a salpicar por doquier.

Y, siendo sincero, creo que las argumentaciones y justificaciones para no incluir determinados temas son consistentes, aunque en el caso particular de Jeff Buckley no lo comparto. Yo considero que aporta al «Hallelujah» algo más que una simplificación. La dota de un sentimiento que a Leonard Cohen se le quedó excesivamente corto.

Supieron mantener toda la carga emocional de la canción tradicional, dotándole de unos riffs de guitarra que simplemente intensificaban la desazón y la nostalgia hasta límites con los que The Dubliners jamás soñaron.

Y por esto la gente desea seguir escuchándolas, porque son insuperables. El ejemplo más evidente de esto fue su gran éxito, Walking on sun­shine.

Un tema cuya melodía se pudo oír en tantas películas y anuncios publicitarios que acabaron formando parte de su crónica sentimental. Esto no lo puedes decir en general de muchas canciones, y de estas muchas son de los ochenta.

Entre otras cosas, que el aficionado tenía conocimiento visual del artista gracias a la MTV. Esto en los setenta fue imposible, y la gente desconocía físicamente a sus ídolos.

El caso más evidente fue la celebración y el éxito global del Live Aid. Las drogas cambiaron la música aquellos años; con un solo beat se hacían temas de doce minutos.

Actualmente no hay superstars; hay muy pocos casos como el de Adele, que es una gran cantante; todo lo demás es música manufacturada que procede en buena medida de concursos televisivos musicales.

Es una lástima. En el fondo es muy aburrido porque son cantantes que tan rápidamente como viene se van; desean el éxito rápidamente. Oprah Winfrey, una de las personalidades más influyentes en los medios de comunicación, superó una infancia difícil para convertirse en un ícono global.

Su autenticidad y su capacidad para empatizar con los demás fueron fundamentales en su camino hacia el éxito. Sin dudas, la empatía y la conexión genuina con los demás fue un diferencial en su carrera y en su vida.

Henry Ford, el fundador de Ford Motor Company, revolucionó la industria automotriz con su visión y determinación. A pesar de los obstáculos y las críticas, perseveró en su objetivo de hacer que los automóviles fueran asequibles para todos. Antes de fundar su empresa, pasó por muchos fracasos, hasta que cambió su mentalidad.

Cultivó una visión clara y mantuvo la determinación en el logro de sus metas empresariales. Benjamin Franklin, uno de los padres fundadores de Estados Unidos, fue un polímata que buscó constantemente el conocimiento y la mejora personal.

Su dedicación al aprendizaje y su ética de trabajo rigurosa lo llevaron a ser una figura influyente en muchos campos. Franklin confiaba en el aprendizaje como fuente de poder.

Lady Gaga, una artista musical y actriz innovadora, desafió las normas y expectativas establecidas en la industria del entretenimiento. Su autenticidad y su valentía para ser ella misma inspiraron a millones de personas en todo el mundo. A continuación, presentamos una lista de 10 claves fundamentales que podemos aprender de las historias de éxito de personas famosas:.

Estas claves te ayudarán a trazar tu propio camino hacia el éxito, superando obstáculos y alcanzando tus metas más ambiciosas. Recuerda que el éxito no es un destino final, sino un viaje de crecimiento y superación constante.

Estas diez historias de personas famosas son solo una muestra de las muchas lecciones que podemos extraer sobre la clave del éxito.

La resiliencia, la persistencia, la pasión, la imaginación, la determinación, la fuerza personal, la autenticidad, la visión, el aprendizaje continuo y la auto expresión son solo algunos de los consejos fundamentales que podemos aplicar en nuestras vidas para alcanzar nuestras propias metas y aspiraciones.

A través de estas claves, podemos trazar nuestro camino hacia el éxito y superar cualquier adversidad que se interponga en nuestro camino.

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Algo que medios como Rolling Stone y The Times no vieron con buenos ojos. En una de sus pocas incursiones en el terreno del power pop, Queen suena lo más cercano posible a Cheap Trick en el cuarto tema de The Game.

Compuesta por John Deacon, la canción tiene la particularidad de tener una estructura de aparente sencillez pero se caracteriza por darle un lugar atípico a las estructuras, con la presencia de un puente al final de su primera estrofa y un estribillo que se demora en llegar.

La segunda oportunidad para el bajista llegaría con un golazo al ángulo. Hit instantáneo dedicado a Veronica Tetzlaff, el amor eterno de John Deacon. La estrella de la canción es el piano eléctrico que Mercury odiaba y al cual Deacon tuvo que domar para la grabación.

El bajista utiliza un Wurlitzer EP que otorga la calidez necesaria para una canción de notable impronta beatle. Pensada como una arenga con la que agitar a sus propios seguidores, la canción solía ubicarse entre las primeras de sus conciertos para poder lograr todo lo que su letra proponía y adelantaba.

Fue un intento de volver a las raíces más rockeras de los inicios de la banda. No tuvo la potencia de aquel gran hit, pero pasó a formar parte de los repertorios de los siguientes años.

No le quedaba otra chance. En su segunda incursión cinematográfica después de Flash Gordon, Queen se encargó de colaborar en la banda de sonido de la primera entrega de Highlander.

El grupo aportó tres canciones al film que luego hizo propias en A Kind of Magic , incluida esta, una balada orquestal escrita por Brian May e interpretada a dúo con Mercury para enmarcar un momento clave del film, en el que Connor MacLeod, el personaje interpretado por Christopher Lambert, se cuestiona su propia inmortalidad luego de ver a su amada envejecer y morir.

Aunque en su videoclip aparecen los cuatro integrantes de la banda interpretando la canción junto a una sinfónica y un coro en un escenario plagado por cientos de velas, John Deacon no participó del tema en su versión de estudio. Una de las canciones que sonó en el primer concierto de Queen en , pero que desapareció para siempre de sus shows en Porque en Queen también podía haber art pop a la Andy Warhol y adoración de Michael Jackson a partir del funk.

Es por demás conocida la relación que tuvieron Mercury con el rey del pop y la cuenta pendiente que quedó de grabar algo juntos pero que por un tema de agendas no se pudo dar. Si hasta el tono de voz en tanto agudos daba para que esa colaboración sea histórica y trascendental. El efecto de phaser que utiliza Brian May para mostrar su guitarra heroica inaugura un modo de ser glam sin olvidar la esencia hard-rock.

Melodía irresistible, contundencia en la base y Mercury conduciendo la nave de los sueños. No sólo fue el primer simple que alertó a los oyentes de la BBC, también funcionó como la apertura ideal del disco debut.

A pesar del tono optimista, la letra esconde un mensaje menos alegre que la supuesta dicha de estar vivo, May invierte la carga e intenta preguntarse en tono metafórico si existe algo más que la vida misma.

Una multitud reunida en Wembley fue testigo del renacimiento de Queen. La presentación en el Festival Live Aid precipitó el regreso de una banda que había ingresado en un largo período sabático.

La introducción con efectos de voces, in crescendo orquestal y uso de programaciones prepara el efecto riff para estadios. De ahí en más la canción abrirá los próximos conciertos con un detalle hard-rock que recuerda a tiempos pasados. Firmado por Freddie Mercury y John Deacon, la canción corrió la suerte de un disco desigual.

Con menos ínfulas que el himno de Hot Space , certificado por la presencia de David Bowie, la canción tenía destino de single pero el Duque Blanco detuvo la edición porque no estaba conforme con su performance.

Decisión que volvió menos visible el poderoso efecto sugestivo que provocan los tres minutos y medio de una producción sofisticada, el falsete irresistible de Mercury y el aire soul que domina al tema.

Taylor es reemplazado por una máquina de ritmo y May brilla por su ausencia, la era de sintetizadores que había comenzado con The Game aquí comienza a cobrarse sus primeras víctimas.

Un auténtico acto de magia de Brian May para recrear el sonido de una big band a través de su guitarra Red Special. Pero la canción remite específicamente a uno de sus grupos favoritos que a principios de los 60 mantenía en Inglaterra el legado del swing, el guitarrista estudió las estructuras de las canciones interpretadas por The Temperance Seven y creó un montaje orquestal.

La letra de la canción también es un tributo al cantante y actor británico George Formby que tocaba el banjo ukelele, una mezcla entre los dos instrumentos de cuerdas. May toca el ukelele y es otro de los elementos de una producción monumental.

Una zapada entre May, Taylor y Deacon dio forma a un rompecabezas musical que mezcla una marcha lúgubre, secuencias de rock progresivo, segmentos operísticos y un intervalo de guitarra flamenca a cargo de Steve Howe, de Yes. Con sus bloques convertidos en un juego de encastres en el que cualquier combinación parece posible, la letra de la canción está parcialmente inspirada en la enfermedad de Freddie Mercury, que a ese momento todavía era mantenida como un secreto a voces solo en su círculo más cercano.

Como en muchas de sus composiciones, el vocalista eligió un tópico recurrente de su obsesionario: la incapacidad de la raza humana para vivir en armonía. Un hard rock compuesto por John Deacon que contiene uno de los solos más largos de toda la discografía de Queen.

De hecho, termina siendo el desenlace de la canción. La letra parece hacer alusión a los terceros que aparecen en un grupo para hacer estallar la música en desacuerdos de otro tipo.

Deacon siempre fue el más intolerante a la hora de abrir el mundo Queen hacia gente nueva y también fue el de los mayores planteos con sus compañeros. Este lugar de composición, de hecho, se lo ganó ante la infinidad de reclamos frente al protagonismo de May-Mercury durante los primeros seis discos.

Sobre la moldería de una de sus clásicas baladas al piano, Freddie Mercury canta con transparencia sobre cómo su propia inseguridad emocional hace desbarrancar una relación.

Para la canción, Brian May hizo modificar su guitarra acústica con una pieza de alambre en el puente para darle a las cuerdas un sonido similar al de un sitar. Esta canción, incluida en el debut discográfico de la banda, quizá sea una de las pocas conexiones que haya establecido Queen con el rock progresivo clásico.

Sin ir más lejos, suena un Hammond entre los arreglos, algo inusual en su discografía. Su duración de más de seis minutos, la más extensa del LP editado en , también es otro elemento de ese diálogo inicial con un género que para esa época transitaba una vitalidad insuperable.

Queen probaba de sus gustos e influencias y grababa. Finalmente fue el track número cinco o la apertura del lado B del vinilo que se llamó como la banda. Frente al barroquismo operístico de Freddie Mercury, su aliado compositivo respondía con furibundos ataques de rock and roll.

La canción también revela la influencia que dejaron las dos giras por Japón, los golpes del gong del nuevo chiche de Roger Taylor crean una atmósfera oriental que anticipa el asalto de guitarra y los aullidos de Mercury.

La canción es un llamado urgente a concretar una historia sexual. May no estaba seguro del título, le parecía muy violento solicitar que aten a la madre del ser deseado. Freddie, por su parte, estaba feliz de llevar adelante una canción adorablemente incorrecta. Para el cierre de The Works , Brian May y Freddie Mercury grabaron una pieza acústica breve que va a contrapelo del espíritu enérgico del disco.

Si bien fue una pieza fija en la gira del álbum, el tema adquirió un carácter simbólico más fuerte cuando May y Mercury la interpretaron sobre el cierre de la edición londinense de Live Aid en Grabada originalmente por Freddie Mercury en Múnich para su disco solista Mr Bad Guy , la nueva versión que le da título al disco de Queen in memoriam del cantante fallecido en noviembre de ofrece miradas múltiples.

No deja de ser una balada restaurada, pero al mismo tiempo recupera la impronta del grupo a través de la guitarra de May y la base imponente que levantan Deacon y Taylor.

Otra composición de John Deacon —en News of The World eleva su cuota a dos temas—, esta vez una balada épica que cuenta la historia de Sammy, un chico que trabaja limpiando pisos en el Esmerald Bar y fantasea con una vida mejor. Mercury se adueña del tema con emoción actoral, no hay coros y solo un piano muy tímido elabora un clima melancólico antes del emotivo solo de guitarra de Brian May.

El video de la canción filmado en el jardín de la casa de Roger Taylor cubierto de nieve refuerza el recuerdo de una melodía inolvidable.

El inicio de esta canción llamativamente inusual remite al adhan, el llamado a la oración, propio de la religión islámica. Cuando Freddie toca el piano, aparece el sonido de Fats Domino Curiosamente, la banda nunca la interpretó en vivo.

La última canción de News of the World , un álbum mucho menos ambicioso en lo orquestal que sus antecesores —la dupla A Night at the Opera , de , y A Day at the Races , de —, comienza con Freddie al piano en una de sus especialidades, tanto como compositor como intérprete: las baladas.

La atmósfera blusera, y el sobrio acompañamiento de Roger Taylor, hacen de esta canción conmovedora, una especie de standard jazzístico. Textos de Facundo Arroyo, Humphrey Inzillo, Oscar Jalil, Sebastián Ramos y Joaquín Vismara. Facebook Twitter Instagram Tiktok Youtube Twitch. Diapositiva anterior.

Diapositiva siguiente. Buscar Buscar. COL ARG ESP MEX Menú. Música Cine y TV Actualidad Lifestyle Destinos Archivo RS Menú. Buscar Cerrar este cuadro de búsqueda. COL ARG ESP MEX COL ARG ESP MEX. Inicio Música Historias. Las 50 mejores canciones de Queen. De los hits emblemáticos a las gemas ocultas de su repertorio, un listado a modo de homenaje para uno de los grupos más ambiciosos en la historia del rock.

POR ROLLING STONE. En Español. febrero 2, La tapa de la revista Rolling Stone Argentina , editada en febrero de Con el carisma y la voz prodigiosa de Freddie Mercury al frente, Queen tenía en la sólida base rítmica que construían el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon los pilares para el vuelo de Brian May , que acaso por su título de astrofísico, ostentaba unos solos de guitarra que se proyectaban al espacio sideral.

News of the Worl d, 5. Foto: Getty Images Foto: Universal Foto: Archivo Por RICARDO DURÁN ·. Historias · Peso Pluma conquista el mundo. Por JULYSSA LÓPEZ ·. Historias · Milo J: el vertiginoso ascenso del nuevo niño terrible de la música.

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Benjamin Franklin, uno de los padres fundadores de Estados Unidos, fue un polímata que buscó constantemente el conocimiento y la mejora personal.

Su dedicación al aprendizaje y su ética de trabajo rigurosa lo llevaron a ser una figura influyente en muchos campos. Franklin confiaba en el aprendizaje como fuente de poder.

Lady Gaga, una artista musical y actriz innovadora, desafió las normas y expectativas establecidas en la industria del entretenimiento.

Su autenticidad y su valentía para ser ella misma inspiraron a millones de personas en todo el mundo. A continuación, presentamos una lista de 10 claves fundamentales que podemos aprender de las historias de éxito de personas famosas:. Estas claves te ayudarán a trazar tu propio camino hacia el éxito, superando obstáculos y alcanzando tus metas más ambiciosas.

Recuerda que el éxito no es un destino final, sino un viaje de crecimiento y superación constante. Estas diez historias de personas famosas son solo una muestra de las muchas lecciones que podemos extraer sobre la clave del éxito.

La resiliencia, la persistencia, la pasión, la imaginación, la determinación, la fuerza personal, la autenticidad, la visión, el aprendizaje continuo y la auto expresión son solo algunos de los consejos fundamentales que podemos aplicar en nuestras vidas para alcanzar nuestras propias metas y aspiraciones.

A través de estas claves, podemos trazar nuestro camino hacia el éxito y superar cualquier adversidad que se interponga en nuestro camino. Las frases motivadoras para vendedores pueden ser una brisa de aire fresca en el asfixiante mundo de las ventas, donde Tu dirección de correo electrónico no será publicada.

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Clique uma data e hora para ver o ficheiro tal como ele se encontrava nessa altura. Não pode substituir este ficheiro. La estrella de la canción es el piano eléctrico que Mercury odiaba y al cual Deacon tuvo que domar para la grabación.

El bajista utiliza un Wurlitzer EP que otorga la calidez necesaria para una canción de notable impronta beatle. Pensada como una arenga con la que agitar a sus propios seguidores, la canción solía ubicarse entre las primeras de sus conciertos para poder lograr todo lo que su letra proponía y adelantaba.

Fue un intento de volver a las raíces más rockeras de los inicios de la banda. No tuvo la potencia de aquel gran hit, pero pasó a formar parte de los repertorios de los siguientes años. No le quedaba otra chance. En su segunda incursión cinematográfica después de Flash Gordon, Queen se encargó de colaborar en la banda de sonido de la primera entrega de Highlander.

El grupo aportó tres canciones al film que luego hizo propias en A Kind of Magic , incluida esta, una balada orquestal escrita por Brian May e interpretada a dúo con Mercury para enmarcar un momento clave del film, en el que Connor MacLeod, el personaje interpretado por Christopher Lambert, se cuestiona su propia inmortalidad luego de ver a su amada envejecer y morir.

Aunque en su videoclip aparecen los cuatro integrantes de la banda interpretando la canción junto a una sinfónica y un coro en un escenario plagado por cientos de velas, John Deacon no participó del tema en su versión de estudio.

Una de las canciones que sonó en el primer concierto de Queen en , pero que desapareció para siempre de sus shows en Porque en Queen también podía haber art pop a la Andy Warhol y adoración de Michael Jackson a partir del funk.

Es por demás conocida la relación que tuvieron Mercury con el rey del pop y la cuenta pendiente que quedó de grabar algo juntos pero que por un tema de agendas no se pudo dar. Si hasta el tono de voz en tanto agudos daba para que esa colaboración sea histórica y trascendental. El efecto de phaser que utiliza Brian May para mostrar su guitarra heroica inaugura un modo de ser glam sin olvidar la esencia hard-rock.

Melodía irresistible, contundencia en la base y Mercury conduciendo la nave de los sueños. No sólo fue el primer simple que alertó a los oyentes de la BBC, también funcionó como la apertura ideal del disco debut. A pesar del tono optimista, la letra esconde un mensaje menos alegre que la supuesta dicha de estar vivo, May invierte la carga e intenta preguntarse en tono metafórico si existe algo más que la vida misma.

Una multitud reunida en Wembley fue testigo del renacimiento de Queen. La presentación en el Festival Live Aid precipitó el regreso de una banda que había ingresado en un largo período sabático. La introducción con efectos de voces, in crescendo orquestal y uso de programaciones prepara el efecto riff para estadios.

De ahí en más la canción abrirá los próximos conciertos con un detalle hard-rock que recuerda a tiempos pasados. Firmado por Freddie Mercury y John Deacon, la canción corrió la suerte de un disco desigual. Con menos ínfulas que el himno de Hot Space , certificado por la presencia de David Bowie, la canción tenía destino de single pero el Duque Blanco detuvo la edición porque no estaba conforme con su performance.

Decisión que volvió menos visible el poderoso efecto sugestivo que provocan los tres minutos y medio de una producción sofisticada, el falsete irresistible de Mercury y el aire soul que domina al tema. Taylor es reemplazado por una máquina de ritmo y May brilla por su ausencia, la era de sintetizadores que había comenzado con The Game aquí comienza a cobrarse sus primeras víctimas.

Un auténtico acto de magia de Brian May para recrear el sonido de una big band a través de su guitarra Red Special. Pero la canción remite específicamente a uno de sus grupos favoritos que a principios de los 60 mantenía en Inglaterra el legado del swing, el guitarrista estudió las estructuras de las canciones interpretadas por The Temperance Seven y creó un montaje orquestal.

La letra de la canción también es un tributo al cantante y actor británico George Formby que tocaba el banjo ukelele, una mezcla entre los dos instrumentos de cuerdas. May toca el ukelele y es otro de los elementos de una producción monumental. Una zapada entre May, Taylor y Deacon dio forma a un rompecabezas musical que mezcla una marcha lúgubre, secuencias de rock progresivo, segmentos operísticos y un intervalo de guitarra flamenca a cargo de Steve Howe, de Yes.

Con sus bloques convertidos en un juego de encastres en el que cualquier combinación parece posible, la letra de la canción está parcialmente inspirada en la enfermedad de Freddie Mercury, que a ese momento todavía era mantenida como un secreto a voces solo en su círculo más cercano.

Como en muchas de sus composiciones, el vocalista eligió un tópico recurrente de su obsesionario: la incapacidad de la raza humana para vivir en armonía. Un hard rock compuesto por John Deacon que contiene uno de los solos más largos de toda la discografía de Queen. De hecho, termina siendo el desenlace de la canción.

La letra parece hacer alusión a los terceros que aparecen en un grupo para hacer estallar la música en desacuerdos de otro tipo. Deacon siempre fue el más intolerante a la hora de abrir el mundo Queen hacia gente nueva y también fue el de los mayores planteos con sus compañeros.

Este lugar de composición, de hecho, se lo ganó ante la infinidad de reclamos frente al protagonismo de May-Mercury durante los primeros seis discos. Sobre la moldería de una de sus clásicas baladas al piano, Freddie Mercury canta con transparencia sobre cómo su propia inseguridad emocional hace desbarrancar una relación.

Para la canción, Brian May hizo modificar su guitarra acústica con una pieza de alambre en el puente para darle a las cuerdas un sonido similar al de un sitar.

Esta canción, incluida en el debut discográfico de la banda, quizá sea una de las pocas conexiones que haya establecido Queen con el rock progresivo clásico. Sin ir más lejos, suena un Hammond entre los arreglos, algo inusual en su discografía.

Su duración de más de seis minutos, la más extensa del LP editado en , también es otro elemento de ese diálogo inicial con un género que para esa época transitaba una vitalidad insuperable.

Queen probaba de sus gustos e influencias y grababa. Finalmente fue el track número cinco o la apertura del lado B del vinilo que se llamó como la banda. Frente al barroquismo operístico de Freddie Mercury, su aliado compositivo respondía con furibundos ataques de rock and roll.

La canción también revela la influencia que dejaron las dos giras por Japón, los golpes del gong del nuevo chiche de Roger Taylor crean una atmósfera oriental que anticipa el asalto de guitarra y los aullidos de Mercury.

La canción es un llamado urgente a concretar una historia sexual. May no estaba seguro del título, le parecía muy violento solicitar que aten a la madre del ser deseado.

Freddie, por su parte, estaba feliz de llevar adelante una canción adorablemente incorrecta. Para el cierre de The Works , Brian May y Freddie Mercury grabaron una pieza acústica breve que va a contrapelo del espíritu enérgico del disco. Si bien fue una pieza fija en la gira del álbum, el tema adquirió un carácter simbólico más fuerte cuando May y Mercury la interpretaron sobre el cierre de la edición londinense de Live Aid en Grabada originalmente por Freddie Mercury en Múnich para su disco solista Mr Bad Guy , la nueva versión que le da título al disco de Queen in memoriam del cantante fallecido en noviembre de ofrece miradas múltiples.

No deja de ser una balada restaurada, pero al mismo tiempo recupera la impronta del grupo a través de la guitarra de May y la base imponente que levantan Deacon y Taylor. Otra composición de John Deacon —en News of The World eleva su cuota a dos temas—, esta vez una balada épica que cuenta la historia de Sammy, un chico que trabaja limpiando pisos en el Esmerald Bar y fantasea con una vida mejor.

Mercury se adueña del tema con emoción actoral, no hay coros y solo un piano muy tímido elabora un clima melancólico antes del emotivo solo de guitarra de Brian May. El video de la canción filmado en el jardín de la casa de Roger Taylor cubierto de nieve refuerza el recuerdo de una melodía inolvidable.

El inicio de esta canción llamativamente inusual remite al adhan, el llamado a la oración, propio de la religión islámica. Cuando Freddie toca el piano, aparece el sonido de Fats Domino Curiosamente, la banda nunca la interpretó en vivo.

La última canción de News of the World , un álbum mucho menos ambicioso en lo orquestal que sus antecesores —la dupla A Night at the Opera , de , y A Day at the Races , de —, comienza con Freddie al piano en una de sus especialidades, tanto como compositor como intérprete: las baladas.

La atmósfera blusera, y el sobrio acompañamiento de Roger Taylor, hacen de esta canción conmovedora, una especie de standard jazzístico. Textos de Facundo Arroyo, Humphrey Inzillo, Oscar Jalil, Sebastián Ramos y Joaquín Vismara.

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